Episode 11 | 1h 54m 53s | Video has closed captioning.
Las estrellas del country de EE. UU. luego de la guerra, incluido Hank Williams, cuyas canciones están inspiradas en su corta y trágica vida.
Aired: 09/17/19
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Los fondos para la serie "Música Country" fueron proporcionados por los siguientes miembros de la Sociedad Better Angels: La Fundación de la familia Blavatnik; la Fundación Schwartz/Reisman; la Fundación Pfeil; Diane y Hal Brierley; John y Catherine Debs; el fondo benéfico de la familia Fullerton; por la fundación familiar de Perry y Donna Golkin; Jay Alix y Una Jackman, Mercedes T. Bass, y Fred y Donna Seigel.
Y por estos otros miembros: [Bob Willis and His Texas Playboys interpretando "New San Antonio Rose] Gran parte de los fondos fueron proporcionados por: La Fundación Annenberg; las Fundaciones Arthur Vining Davis, dedicadas a fortalecer el futuro de Estados Unidos a través de la educación.
Por la Universidad Belmont, donde los alumnos pueden estudiar música y negocios de música en la Ciudad de la Música.
Por The Soundtrack of America-- Made in Tennessee-- información de viaje en tnvacation.com; por el gobierno metropolitano de Nashville y el condado Davidson; por Rosalind P. Walter; por la Corporación para la Difusión Pública y por televidentes como usted.
Gracias.
♪ Rumbo al sur a la tierra de los pinos ♪ ♪ Pidiendo autostop hasta Carolina del Norte ♪ ♪ Mirando el camino ♪ ♪ Ruégale a Dios que pueda ver las luces delanteras ♪ ♪ Así que baila conmigo, mama, como la rueda de un vagón ♪ ♪ Baila conmigo, mama, como quieras ♪ NADA NOS CONECTA MÁS QUE EL PODER DE LA MÚSICA COUNTRY.
♪ Oye, mama, baila conmigo ♪ ¿QUÉ QUIERES LOGRAR?
NOS ENORGULLECE APOYAR EL TRABAJO DE KEN BURNS.
[cerilla encendiendo] [golpe de cristales] Una Producción de FLORENTINE FILMS.
[Hank Williams interpretando "Honky Tonkin"] ♪ (hombre) Dos cosas: beber y bailar.
Bueno, como decimos sobre bailar: al bailar, tienes una oportunidad.
♪ Les decían "honky tonks", bares de carretera, casas de hielo, "antros".
i¡ja, ja, ja!
Antros, tan solo es una forma de describir un club nocturno en el que hay constantes peleas, ¿sabes?
Siempre hay alguien a quien le revientan el cráneo.
Pero son lugares en los que literalmente ponen alambre al frente del escenario para que no golpeen a los músicos con botellas de cerveza.
(hombre) Cuando la música Honky Tonk estaba en auge, la cerveza fluía y los cigarrillos estaban encendidos.
Las parejas bailaban, se rozaban estómago con estómago, mejilla con mejilla.
♪ ["Honky Tonkin"] ♪ (Ray) La mezcla de alcohol, hombres y mujeres, genera violencia, peleas.
Cuando hay una pelea no dejas de tocar.
Esa es la regla número uno.
Seguir tocando.
Lo otro es, que me ha tocado hacerlo, es que la guitarra es un arma excelente, ¿sabes?
Por lo general, alguien se dejaba llevar y coqueteaba con la mujer equivocada.
Se cruzaban las líneas, la propiedad era difusa.
Buena música, ¿sabes?, buen baile.
Estallaban peleas, se reventaban labios, la sangre corría y después hacían las paces y seguían bailando, fumaban más cigarrillos y bebían más whisky.
Gran cultura.
♪ MÚSICA COUNTRY.
[Maddox Brothers & Rose interpretando "Water Baby Boogie"] ♪ (hombre) Después de la guerra, todos regresaron a casa recargados.
Algo que pasó es que había como una electricidad y, como cierta energía que buscaba algo más que melodías de violín.
De repente, todo era zapatear y bailar, y eso exigía tambores, exigía guitarras vibrantes y una guitarra steel que atravesara el sonido y estuviera por encima del ruido del público y las peleas, y de los saltos y gritos conforme avanzaba la noche.
En un Honky Tonk todo siempre se vuelve más ruidoso y bullicioso.
A medida que se acerca la medianoche estás más cerca de tu límite.
Así que necesitas un sonido provocativo, ¿sabes?, algo que interrumpa lo que sientes.
Y la electricidad era tu amiga.
(narrador) A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, los estadounidenses vivían en un mundo que podía acabar en cualquier momento, y todo estaba cambiando: en la ciencia, la economía, las relaciones interraciales, el arte y la literatura, y en la música.
La música country se adaptó a la época.
Los hombres habían ido a la guerra, las mujeres habían ido a trabajar, y la tasa de divorcios alcanzaba niveles récord.
Canciones que hablaban de manera directa acerca de la infidelidad y la bebida, temas que antes estaban más allá de lo respetable, se hicieron tan populares como las canciones sobre temas tradicionales que hablaban sobre una madre o la añoranza por el hogar.
Y las canciones nuevas tenían un nuevo sonido: una guitarra eléctrica penetrante, un ritmo de tambor impulsor, un bajo insistente y una voz que transmitiera las letras tanto de los buenos como de los malos tiempos, con cierta urgencia emocional.
El nuevo sonido emergió en oscuras tabernas y bares alrededor de los campos petroleros de Texas y Oklahoma, se extendió hasta California y luego a las ciudades industriales del norte.
Las cervecerías eran demasiado ruidosas para que los músicos tocaran instrumentos acústicos, y demasiado pequeñas para las grandes orquestas de baile que tocaban western swing.
Creo que la música honky tonk, derivó del western swing y lo redujo al mínimo.
Bob Wills tenía una banda grande, tan grande como la quiso o podía pagar.
Las bandas honky tonk eran pequeñas y al igual que les pasa a las bandas grandes, pasas de 24 a 8 personas.
En lugar de tres violines, solo había uno.
En vez de tres guitarras solo había una.
No había piano, tampoco trompetas, ¿saben?, era una especie de sonido de repuesto.
(narrador) Si no había disponibilidad de una banda en vivo, los dueños de la taberna hacían felices a sus clientes con una rocola que tocaba una canción por cinco centavos.
En 1946, había casi 300,000 rocolas en el país.
Recibieron 4 mil millones de centavos.
[Bill Monroe & His Blue Grass Boys interpretando "Bluegrass Special"] ♪ Pero el nuevo sonido fue tan solo una forma en que la música country cambió después de la Segunda Guerra Mundial.
Un chico agricultor de Tennessee iba a tomar otra dirección para luego convertirse en un cantante melódico de canciones de amor que apelaban a la gente que normalmente consideraba que la música hillbilly no estaba a su altura.
El líder de una banda de cuerdas de Kentucky formó un nuevo grupo de músicos que incluía a un joven trabajador de la industria textil de Carolina del Norte.
Juntos ampliarían las fronteras de uno de los estilos más antiguos de música country y le darían una nueva categoría y un nuevo nombre.
Aun así, la música honky tonk dominaba, al comienzo, liderada por el hijo de un aparcero de Texas, que llevó el nuevo sonido electrificado hasta el escenario del Grand Ole Opry.
Pero fue un enjuto cantautor de Alabama, cuya fama se disparó y que se fue antes de cumplir 30 años, quien dejaría una marca duradera en la música estadounidense.
Podía lograr que cualquier público bailara al ritmo de su divertido ritmo, y luego llevarlos hasta las lágrimas con sus canciones cargadas de una angustia casi imposible de expresar, escritas a partir de sus tormentos personales.
[Hank Williams interpreta "Six More Miles (To the Graveyard)"] ♪ (hombre) Te hacía sentir que te estaba cantando solo a ti.
"Este tipo me comprende.
Conoce el dolor que siento.
Sabe lo que he hecho y por lo que he pasado.
Lo sabe tan bien como yo y la canción que está tocando, la toca para mí".
Mi madre solía cantarme en la noche antes de dormir.
Y era muy buena cantante.
Más adelante supe que esas canciones que tanto me gustaba que me cantara eran de Hank Williams.
Así que antes de saber quién era Hank Williams ya era una gran fanática.
Hank Williams tuvo las agallas de poner en palabras lo que todos pensábamos y sentíamos, pero que nos daba tanta vergüenza decir.
Fue directo a la médula.
♪ EPISODIO TRES El Shakespeare Hillbilly.
[Ernest Tubb interpretando "You Nearly Lose Your Mind"] ♪ (hombre) Me encantaba Ernest Tubb.
"Tres acordes y la verdad", básicamente eso era Ernest.
Eh, sus canciones no eran complicadas, cualquiera que pudiera tocar la guitarra un poco podía cantarlas.
Es por eso que creo que era tan popular.
(narrador) En 1946, el campo de los cantantes de honky tonk ya estaba saturado, pero no había ninguno más grande que el texano de seis pies con una sonrisa brillante y voz profunda: Ernest Tubb.
Todos los sábados en la tarde transmitía un programa de radio de media hora a nivel nacional, el Checkerboard Jamboree, luego se presentaba en vivo en el programa del Grand Ole Opry desde el auditorio Ryman, y millones de personas lo escuchaban a través de la estación de radio WSM.
Después del show, se subía con su banda, los Texas Troubadours, al autobús de la gira y se dirigía a dar la mayor cantidad posible de presentaciones privadas antes de tener que volver a Nashville a los programas del sábado siguiente.
Tubb creía que parte de su popularidad se debía a que en realidad su voz no era tan buena.
(Ray) Es decir, no es Caruso.
"¿Por qué eres tan famoso, Ernest?
", y él decía: "Bueno, soy famoso porque un muchacho pone 25 centavos... cinco centavos en la rocola, la enciende y dice, vaya, yo puedo cantar igual de bien que este tipo'".
¿Saben?
Alardeaba con su novia.
(hombre) He oído a gente decir, "pero él nunca pudo cantar".
Y yo les decía: "No, pero todos los meses va al banco a depositar mucho dinero porque no podía cantar".
(narrador) Después de escuchar su primer disco de Jimmie Rodgers, cuando tenía 15 años, en Brownwood, Texas, la única ambición de Ernest Tubb pasó a ser seguir los pasos de su ídolo.
[Ernest Tubb interpretando "The Passing of Jimmie Rodgers"] ♪ En 1936, conoció a la viuda de Rodgers, y juntos hicieron una gira en tributo a Jimmie Rodgers por cinemas de pueblos pequeños del sur de Texas.
Ella incluso le permitió tocr la famosa guitarra Martin que el mismo Rodgers tocó alguna vez.
♪ Después de que su garganta quedara afectada luego de una amigdalotomía, Tubb no pudo volver a hacer yodel como su héroe.
Comenzó a escribir sus propias canciones y a desarrollar un estilo vocal más cálido, pero cuando supo que las personas no podían escuchar sus canciones acústicas en las rocolas de los ruidosos bares de carretera alrededor de Fort Worth, contrató a un músico para que tocara una guitarra eléctrica en su próxima sesión de grabación.
El resultado fue una sucesión de éxitos, que comenzó con "Walking the Floor Over You".
(hombre) Sabes, se construyó una estación de gasolina casi a una milla y cuarto de nuestra granja, en la autopista 108.
El dueño, el señor Sim, instaló una rocola.
Y cuando alguien la poní, yo podía escucharla.
No siempre podía escuchar la letra, claro está, pero sabía qué melodía era.
De los artistas que se escuchaban en esa rocola, solo podía entender cada palabra de lo que decía uno, y ese era Ernest Tubb.
Y un día le dije a mi madre, "cuando tenga mi compañía discográfica", algo que sonaba absurdo, "solo voy a contratar artistas que sean tan buenos como Ernest Tubb".
[Ernest Tubb interpretando "Walking the Floor Over You"] (narrador) En 1947, Ernest Tubb y la comediante Minnie Pearl encabezaron un elenco del Opry que se presentó dos noches en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York, el palaciego y prestigioso sitio de música clásica.
"Vaya", dijo Tubb al inicio del concierto, "sin duda en este lugar cabría mucho heno".
Ese mismo año abrió la tienda de discos Ernest Tubb en el centro de Nashville, cerca del auditorio Ryman.
Para promocionar la tienda, Tubb comenzó el programa de radio Midnite Jamboree, en la misma tienda, justo después del Grand Ole Opry.
Era el presentador y prefería resaltar a otros artistas y sus canciones, en vez de la suyas.
Lo hizo recordando la generosidad de la viuda de Jimmie Rodgers que ayudó a lanzarlo al mundo de la música.
"¿Cómo puedo pagarle?
", le preguntó.
"Solo haz lo mismo por los demás", contestó ella.
Y lo hizo.
[Hank Williams interpretando "Wealth Won't Save Your Soul"] ♪ (Marty) En Nashville hay un dicho que dice, "todo comienza con una canción".
Las canciones son las alfombras mágicas que cambian las cosas.
Todo permanece igual hasta que encuentras la canción indicada y todo cambia.
El mundo cambió gracias a las canciones de Hank Williams.
(mujer) Una de las citas más famosas de mi abuelo.
Él solía decir, "no sé a qué te refieres con música country.
Solo escribo canciones de la forma en que sé hacerlo".
(narrador) A finales del verano de 1946, a Hank Williams le faltaban unos cuantos días para su cumpleaños 23.
Habían sido 23 años difíciles.
Nació el 17 de septiembre de 1923 en una cabaña de troncos de piso de tierra que sus padres rentaron en Mount Olive, Alabama, y lo bautizaron Hiriam, en honor a uno de los reyes del Antiguo Testamento.
Su padre, Lon, que regresó de la Primera Guerra Mundial con una "neurosis de guerra", tuvo diferentes empleos hasta que su condición lo obligó a ingresar a un hospital de veteranos en Luisiana, apartándose de la vida de su hijo.
Lillie, su madre, era una mujer fuerte y ambiciosa.
Se mudó con su hijo y su hija a diferentes pueblos del sur de Alabama y finalmente terminaron en Montgomery, en donde abrió una pensión.
Su hijo era delgado y frágil, probablemente debido a un defecto espinal congénito.
Pero le gustaba divertirse y era extrovertido, y prefería que le dijeran Hank, no Hiriam.
Lillie fomentaba su interés por la música y lo envió a una escuela de canto góspel y les dio su primera guitarra a los 8 años.
En el camino conoció a un músico callejero negro, Rufus Payne, a quien todos conocían como "Tee-Tot", y que le enseñó acordes en la guitarra y permitía que el niño lo siguiera mientras él deambulaba por las calles con su banda y tocaba por limosnas.
Más adelante, Williams dijo que "toda la formación musical que tuve, vino de él".
(Marty) En lo que a mí respecta, la influencia de la música negra en la música country es incalculable.
Si eliminamos al señor Lesley Riddle de la ecuación de A.P.
Carter como cazador y recopilador de canciones, si sacamos a Arnold Shultz de la vida de Bill Monroe, o si eliminamos a Tee-Tot de la vida de Hank Williams, solo en esos tres casos, las cosas hubieran sido muy diferentes.
(narrador) En Montgomery, Williams lustraba zapatos, cantaba en las esquinas a la vez que vendía cacahuetes que su madre había tostado, y dejó la escuela a temprana edad.
Desarrolló un gusto por el alcohol a los 11 años, y después de ganar en un concurso local de talento con una canción que había escrito él mismo, "WPA Blues", de inmediato se gastó su premio de $15 de fiesta con sus amigos.
Poco tiempo después, la radio WSFA lo incluyó en sus programas como "el niño cantante".
Esto lo motivó a formar una banda llamada los Drifting Cowboys, que tocaba en conciertos pequeños en teatros y escuelas de Alabama, Georgia y el noroeste de Florida.
Lillie era la fuerza detrás de todo: colgaba folletos, cobraba el dinero en la entrada y regañaba a su hijo constantemente cuando se descarriaba, lo que pasaba seguido.
(hombre) Es difícil explicar a Hank a menos que hablemos de cómo fue criado.
Trabajaba en tugurios.
Lillie, su madre, lo llevaba.
Y si no tocaba bien, lo abofeteaba.
Creció con ese "hazlo bien, niño".
(narrador) Pero ella también lo defendía cuando los borrachos entre el público le buscaban pelea.
"No hay nadie en este mundo a quien prefiera a mi lado en una pelea en un bar", dijo Hank, "más que a mi má' con una botella rota en la mano".
Pero en 1942, su problema con el exceso de bebida llegó a ser un problema tan serio que la estación de Montgomery lo despidió.
Un año más tarde, mientras trabajaba en un show de medicina en Brundidge, Alabama, conoció a la linda empleada de una farmacia que resultó tener la misma férrea determinación de su madre.
Audrey Mae Sheppard técnicamente todavía estaba casada con otro hombre, quién la había abandonado a ella y a su hija, pero se sentía irresistiblemente atraída por Williams.
Ella recuerda, "sabía lo que quería y fui por ello.
Él tenía suerte de tener talento, y yo tenía suerte de tener algo de cerebro".
Sus problemas de espalda evitaron que fuera a la Segunda Guerra Mundial.
Durante un tiempo, Audrey y él trabajaron en la compañía Dry Dock and Shipbuilding de Alabama, en Mobile, hasta que ella lo obligó a regresar a Montgomery y a su música.
(hombre) Mi madre dijo, "mira, eres bueno, tu música es buena y tus canciones también".
Sin mamá, quizás el tipo se hubiera quedado allá construyendo barcos y luego en otro empleo.
Tal vez sin Audrey no hubiera habido un Hank.
(narrador) Al final de la guerra, ya se habían casado.
Una noche en Montgomery, él era el telonero de uno de sus ídolos, Ernest Tubb.
Williams le dijo que había intentado imitar su estilo honky tonk, y que había tratado de imitar la interpretación más emocional de Roy Acuff, pero que al final encontró su propia voz en un punto medio.
En 1946, con Audrey abordaron un tren rumbo a Nashville, en donde esperaba hacerse un nombre.
Allí, conoció al renombrado compositor Fred Rose, quien dirigía Acuff-Rose Publishing, una de las primeras editoriales musicales de la ciudad.
A Rose, Williams le agradó de inmediato y lo ayudó a conseguir su propio contrato de grabación, antes de que regresara a casa con Audrey, a Montgomery.
Entre las canciones que Williams grabó había una que reflejaba la influencia de Rufus "Tee-Tot" Payne.
Se llamaba "Move It on Over".
[Hank Williams interpretando "Move It On Over"] ♪ Se convirtió en el primer éxito de Williams después de su lanzamiento en junio de 1947.
♪ (Hank Williams Jr.) Dicen que "Rock Around the Clock" fue la primera canción de rock.
Yo no estoy de acuerdo.
"Rock Around the Clock" es una copia evidente de "Move It On Over".
Escuchen ambas canciones algún día y compárenlas.
[cantando en inglés] ♪ (hombre por radio) Es la WSM en Nashville, Tennessee, el servicio de transmisión de la compañía National Life and Accident Insurance.
Presenta el Grand Ole Opry, adelante, chicos.
♪ ["Wabash Cannonball" de Roy Acuff] ♪ (hombre) La compañía National Life & Accident Insurance le decía a sus agentes que caminaran por los vecindarios los sábados por la noche y, si había una puerta o una ventana abierta y podían escuchar el Grand Ole Opry en la televisión o en la radio en la calle, entonces tomaban nota de la dirección.
Y el lunes en la mañana regresaban al vecindario.
(hombre) Golpeaba en la puerta y me presentaba.
Les decía, "soy Bud Wendell y trabajo con la compañía National Life and Accident Insurance de Nashville.
Somos dueños de la WSM y del Grand Ole Opry.
Tal vez usted ha escuchado el Grand Ole Opry.
Tengo un regalo para usted.
¿Puedo pasar?
".
Y esos agentes tenían productos para hacer publicidad, recuerdos del Grand Ole Opry.
Tenían calendarios del Grand Ole Opry y de la WSM.
Tenían reglas, matamoscas, pequeños artículos para atraer y luego comenzaban a hablar de los seguros.
(Bud) Muchas de sus preguntas eran acerca de los artistas.
"¿Conoce a Roy Acuff?"
o, "¿conoce a Minnie Pearl?
", o "el sábado pasado escuchamos el Opry y la canción de Acuff nos encantó".
Esa clase de cosas.
Pero intentaba meterlos al tema de los seguros.
Para eso estaba yo ahí, no para hablar de la historia de la vida de las estrellas del Opry.
Pero, la conexión con el Opry nos abría una gran puerta.
(narrador) Ahora, cientos de estaciones de radio del país transmitían programas semanales de bailes de granero, desde el Hayloft Hoedown de Filadelfia hasta el Carolina Hayride de Charlotte, desde el Ozark Jubilee en Springfield, Misuri, hasta el Big D Jamboree de Dallas y el Hollywood Barn Dance de California.
Pero el reparto de artistas del Grand Ole Opry de Nashville era inigualable, y la poderosa señal de 50,000 vatios de la WSM podía transmitir el programa de costa a costa desde el auditorio Ryman, la "iglesia matriz de la música country".
(hombre) Oh, cielos, que a un artista de música country le pidieran unirse al Opry, era como preguntarle si quería ir al cielo después de morir.
Era el final de la escalera, era lo máximo.
¿Quieren jugar como primera base para los Yankees de Nueva York?
¿Quieren lanzar para los Medias Rojas de Boston?
¿Qué quieren hacer?
Decir eso de... preguntar si quieren pertenecer al Grand Ole Opry, esa es la mejor pregunta que te pueden hacer.
Y solo hay una respuesta, i¡sí!
[Eddy Arnold interpretando "Bouquet of Roses"] ♪ (hombre) Hizo correr la voz.
Fue nuestro primer crossover de pop.
Las personas que no compraban discos de country compraban los discos de Eddy Arnold porque, como Eddy decía, él era "afable".
(narrador) En octubre de 1947, poco después de la presentación de Ernest Tubb en el Carnegie Hall, otra estrella del Grand Ole Opry apareció en un improbable lugar para un cantante hillbilly .
Eddy Arnold llenó el Constitution Hall de Washington, D.C. dos noches seguidas.
♪ Su música, principalmente de una guitarra steel , sin duda era country.
Pero, sin duda, no era otro Ernest Tubb ni el prometedor Hank Williams.
(hombre) Mi abuelo era un romántico.
Por eso, en realidad, siempre se centró en canciones de amor.
No eran sobre beber o ser infiel, ni, necesariamente, nada de eso.
Eran acerca del amor.
(narrador) Richard Edward Arnold nació en una granja cerca de Henderson, Tennessee, en 1918, y era el menor de 16 hermanos.
Su padre falleció en su cumpleaños número 11, tan endeudado que la granja y las herramientas de la familia se subastaron, por lo que los Arnold se convirtieron en arrendatarios de la que antes había sido su propia tierra.
Eddy decidió que su salida podría ser la música.
En 1938, él y un amigo consiguieron un empleo en una estación de radio de St. Louis, como los "Tennessee Harmony Lads".
Pero Arnold soñaba con cosas más grandes.
Dijo, "Yo sabía adónde quería ir, porque yo no podía regresar".
Su gran oportunidad llegó en 1940, cuando Pee Wee King lo invitó a unirse a los Golden West Cowboys por $15 a la semana garantizados.
Conocido como "Smilin' Eddy Arnold", cantaba baladas, vendía los cancioneros de Pee Wee en el receso, y por un dinero adicional barría el auditorio después de cada presentación.
En 1943, se lanzó por su cuenta y cantó en el Opry como "The Tennessee Plowboy", y además participaba en un programa en las mañanas en la WSM, después del programa de Ernest Tubb.
La gente reaccionó a su imagen limpia: pantalones bien planchados, una camisa blanca impecable, un rostro guapo y cuadrado, en ocasiones con un elegante sombrero de ranchero.
Su música les gustaba aún más: una melodiosa voz que no solo podía cantar baladas románticas, que también podía cantar un yodel suave en una de sus canciones alegres favoritas, "Cattle Call".
[Eddy Arnold interpretando "Cattle Call".]
♪ Ahora su manager era Thomas A. Parker, un expromotor de carnavales con un talento para la publicidad que insistía en que lo llamaran Coronel Parker.
Para atraer la atención hacía u estrella en el camino, Parker solía exigir que la policía los escoltara hacia el pueblo, e incluso cuando salían a comer una hamburguesa.
A finales de 1947, la canción de Arnold, "I'll Hold You in My Heart", llegó al número uno del listado de Billboard de música hillbilly.
Allí se mantuvo por un tiempo sin precedentes de 21 semanas, y la seguirían cuatro canciones más.
De las seis canciones de country número uno de 1948, cinco fueron de Eddy Arlond.
♪ (Marty) La primera estrella que vi en persona en mi vida fue Bill Monroe.
Podía hacer cosas en música country que nadie más podía.
[tocando la mandolina] ♪ Podía hacer eso.
Y exigía que todos a su alrededor hicieran lo mismo y al mismo nivel.
[Dizzy Gillespie & Charlie Parker interpretan "Atmosphere"] ♪ (hombre) Para mí, en la historia de la música, Bill Monroe es tan importante como Charlie Parker.
Es decir, si lo piensan, cuántas personas han dado inicio a un género musical, que pueden decir, "este hombre inició un género musical completamente nuevo".
Eso fue lo que hizo Bill Monroe.
[Bill Monroe & His Blue interpreta Grass Boys "It's Mighty Dark To Travel"] ♪ (hombre) Creo que hay fuerzas cósmicas en forma de seres humanos que caen en la Tierra.
Bill Monroe era una de esas fuerzas.
Solo hay un Bill Monroe.
Solo hay un Mark Twain.
Saben, solo hay un Einstein, un Hemingway.
(Ricky) Cuando Bill formó su banda y vino a Nashville en 1939, y pasó a integrar el Grand Ole Opry, su música comenzó a cambiar.
Empezó a buscar un sonido diferente.
Creo que en su cerebro escuchaba algo que era único, pero no sabía exactamente lo que era.
(narrador) Bill Monroe era temperamental, se ofendía con facilidad y era un perfeccionista.
Nunca estaba completamente satisfecho con la música que había estado tocando con los Blue Grass Boys, cuyo nombre era en honor al estado de Kentucky.
A finales de 1945, comenzó a reconfigurar la banda y contrató a Chubby Wise, quien había popularizado "Orange Blossom Special" en el violín; Cedric Rainwater en el bajo; Lester Flatt, de Duncan's Chapel, Tennessee, como cantante principal y guitarrista.
Y para reemplazar a Dave "Stringbean" Akeman en el banyo, Monroe contrató a un callado chico de 21 años de Flint Hill, Carolina del Norte, llamado Earl Scruggs.
Scruggs tocaba el banyo desde los cuatro años, y desde niño comenzó a experimentar con una técnica de tres dedos que era popular en el Piedemonte de Carolina del Norte.
["Blue Grass Breakdown" de Bill Monroe & His Bluegrass Boys] ♪ Después de trabajar en una fábrica de textiles para mantener a su madre viuda durante la guerra, Scruggs se unió a una banda en Knoxville y refinó todavía más su estilo propulsor y vibrante, muy distinto de la técnica de "clawhammer" que usaban Stringbean y Tío Dave Macon del Opry, ambos tanto comediantes como intérpretes de banyo.
Scruggs sin duda no era un comediante.
Era demasiado tímido, y superó su pánico escénico al concentrarse en hacer que el trabajo que hacía con sus dedos pareciera fácil.
[Bill Monroe & His Bluegrass Boys interpretan "Blue Grass Breakdown"] Cuando Earl se acercaba a ese micrófono, lo hacía con tal fuerza y determinación que su emoción le penetraba al público.
Los enloquecía.
Generaba lo mismo que Eddie Van Halen hizo en el rock al rasgar la guitarra.
era tan veloz.
Las personas se emocionaban.
♪ (Eddie) Era un chico de 21 años que tocaba el banyo de una forma en que nadie lo había hecho antes.
No era la primera persona en tocarlo con tres dedos.
Pero era el primero que trajo a Nashville ese estilo.
Earl Scruggs es uno de los músicos más importantes, no solo en la historia de la música country, no solo como arquitecto de lo que conocemos como bluegrass, también es uno de los instrumentalistas más importantes en la historia de la música del mundo.
(Ricky) Cuando Bill escuchó tocar a Earl con tres dedos de forma tan feroz, se convirtió en el último engranaje que la máquina necesitaba para arrancar y hacer que el motor funcionara de verdad.
(narrador) El nuevo sonido de Monroe ahora incluía solos en cada canción: el frenético violín de Wise, la extraordinaria Mandolina de Monroe y el banyo sincopado de Scruggs, a la vez que Flatt mantenía el ritmo con su guitarra y ofrecía una fuerte voz líder mientras que Monroe añadía su armonía de tenor alto.
[Bill Monroe & His Blue Grass Boys interpretan "Mansions For Me"] ♪ (Ricky) En una banda de country, la música se elabora en torno al cantante principal.
Luego tienes a la banda detrás de él.
En una banda de bluegrass, es toda la banda.
El violinista es tan importante como el que toca la mandolina.
No le digan al señor Monroe, pero el que toca el banyo es tan importante como el que toca la mandolina.
No le digan eso al señor Monroe.
Pero déjenme decirles que es un sonido de banda.
Bill Monroe nunca hizo que se tratara solo de él.
(John) Yo creo que cuando Monroe tenía a Lester y a Earl, unió estos elementos con gran ritmo, ocho notas avasalladoras, rápidas, que eran una locura.
Un gran violín, los fragmentos de ritmo de Monroe, su aguda voz, una excelente armonía y relatos sobre muertos.
(narrador) Gracias a las transmisiones del Grand Ole Opry y la incesante agenda de Monroe de giras por el Sur, el estilo de la banda comenzó a influir a otras bandas y cuerdas.
♪ En el sudoeste de Virginia, los hermanos Stanley, Ralph y Carter, estaban prestando mucha atención.
Fueron criados en la Iglesia Bautista Primitiva, en la que congregaciones enteras cantan himnos a capela, liderados por un anciano de la iglesia, como su padre.
Uno de los primeros recuerdos de Ralph Stanley fue escuchar la voz de su padre afuera de casa al final del día.
(hombre) Tarde en la noche, o antes de ir a dormir, caminaba por ahí cantando canciones viejas solo.
[cantando en inglés] Así fue como aprendí a cantar.
(narrador) A su madre le encantaba el banyo, con el antiguo estilo de clawhammer, y cuando el joven Ralph expresó su interés en aprender a tocarlo, ella le dijo que para un regalo que ella le iba a hacer, él tenía que escoger.
(Ralph) Pues era escoger entre un banyo o un cerdo.
En esa época los puercos me interesaban, mi tía tenía cerdos y los vendía a un dólar cada uno.
Entonces mi madre me dijo, "solo puedo comprarte uno de los dos.
Tienes que elegir entre el banyo o el cerdo".
Así es que elegí el banyo.
[The Stanley Brothers interpretando "Little Glass Of Wine"] (narrador) Carter, el hermano de Ralph, aprendió a tocar guitarra, y así los Stanley Brothers pronto comenzaron a presentarse a nivel local.
♪ (hombre) La voz de Ralph sonaba como si tuviera polvo de carbón, pero de forma genial, y esa armonía de los hermanos me encanta.
Siempre he sido fanático de esa armonía fraternal que había entre Ralph y Carter.
(narrador) Después de prestar servicio en la guerra, regresaron a casa y formaron los Clinch Mountain Boys, consiguieron un puesto fijo en la WCYB de Bristol y fueron a ver a los músicos que más admiraban, Bill Monroe and His Blue Grass Boys.
Ralph observaba a Earl Scruggs con atención.
(Ralph) Bueno, me dije que tenía que intentar ese estilo por mi cuenta, y comencé a trabajar en eso.
[The Stanley Brothers interpretando "Molly and Tenbrook"] ♪ (hombre) Los Stanley apenas estaban comenzando y Bill era su ídolo.
Lo escuchaban los sábados en la noche y en su show en Bristol al mediodía, hacían literalmente lo mismo que él hacía.
Era un tributo.
Pero eso le molestó a Bill porque lo estaban "copiando", ¿entienden?
(Ralph) Cantábamos del mismo modo que Bill, solo que el sonido era distinto.
Era el sonido "Stanley".
(narrador) Cuando los Stanley lanzaron una canción propia, "Molly and Tenbrook", Monroe se enfureció.
Él había grabado la misma canción un año antes, pero Columbia, su disquera, aún no la había lanzado.
Luego, Columbia contrató a los Stanley Brothers; Monroe en represalia se cambió a Decca Records.
Hubo más agravios.
En 1948, dos de las estrellas de Monroe, Lester Flatt y Earl Scruggs, frustrados, debido al poco dinero que ganaban, decidieron irse por su cuenta.
Con el tiempo formaron su propia banda, los Foggy Mountain Boys.
Una vez más, Monroe entró en cólera.
Convenció al Opry de no permitir que Flatt y Scruggs tocaran allí por años.
(Mac) Los mantuvo fuera del Opry por mucho tiempo.
Así de posesivo era.
La forma como todos lo enfrentaron es que dejaron de hablarse como por 25 años.
Tocaban en el Grand Ole Opry, trabajaban unos cerca de otros y, ya saben, existían dentro de la misma industria, pero no se hablaban.
(mujer) Bill me dijo que cuando estaba detrás del escenario del Opry, todos estaban ahí y que él caminaba hacia ellos como si no existieran.
Le pregunté, "¿no les decías nada?".
Me dijo, "no".
Le dije, "¿ni siquiera les decías "permiso"?
y me dijo, "no".
Yo me reía cuando me decía algo así pues me parecía tan inmaduro y tonto, pero a mí... en fin, me daba risa.
Nadie guarda rencor como los hillbillies, soy testigo de eso.
(narrador) Luego, durante a una visita a la estación de Flatt y Scruggs en Bristol, Monroe les robó a su cantante, Mac Wiseman.
(Mac) Bien, justo al aire, Monroe me dijo: "Si alguna vez quieres trabajar en el Opry, llámame".
Eso enfureció a Flatt, y muchísimo.
(narrador) Un poco más tarde, Flatt y Scruggs lanzaron una canción instrumental que Earl había escrito, llamada "Foggy Mountain Breakdown" para la nueva banda.
Salvo unos cambios, se parecía mucho a una melodía que había trabajado con Monroe, llamada "Bluegrass Breakdown".
(Marty) "Bluegrass Breakdown".
[tocando la mandolina] Y, "Foggy Mountain Breakdown", cuando Earl la lanzó por su cuenta.
♪ Un cambio de acorde.
Así que... [Flatt and Scruggs interpretando "Foggy Mountain Breakdown"] ♪ (narrador) En medio del pleito, el público que asistía a los conciertos de Flatt y Scruggs quería pedir canciones de Bill Monroe de cuando formaban parte de los Blue Grass Boys.
Pero, como recordó Everett Lilly, miembro de los Foggy Mountains Boys, a los fanáticos les daba miedo incluso mencionar a Bill Monroe.
(hombre) El público comenzó a decir, "chicos, ¿podrían cantar una de las canciones de Blue Grass como antes?".
Sabían que Lester y yo podíamos tocar duetos como Bill y él.
Nos decían, ¿podrían cantar una de las canciones bluegrass de antes?".
El público le dio el nombre de música bluegrass, del miedo que les daba mencionar el nombre de Bill Monroe.
♪ [Maddox Brothers & Rose interpretando "New Mule Skinner Blues"] ♪ (narrador) En 1948, una vieja canción de Jimmie Rodgers recibió una segunda oportunidad.
Rodgers, la primera súper estrella de la música country, originalmente grabó "Muleskinner Blues" en la década de 1920 con su guitarra.
Bill Monroe había debutado en el Grand Ole Opry con una reinterpretación asombrosamente energética junto con los Blue Grass Boys en 1939.
Ahora, una banda eléctrica del Valle Central de California le daba un vigor honky tonk.
Eran los Maddox Brothers and Rose.
Habían llegado a California en la peor época de la Gran Depresión en trenes de carga desde Alabama, y a duras penas lograron sobrevivir como agricultores migrantes hasta que empezaron a tocar instrumentos y poner a Rose, su hermana menor, ante un micrófono.
Trabajaban en bares y salones de baile del Valle Central tocando música hillbilly para personas como ellos, refugiados pobres denigrados como " okies ".
Cuando los hermanos fueron a la guerra, Rose buscó al rey del western swing , Bob Wills, para que le diera trabajo.
(Don) Bob Wills ya tenía una cantante, así que no le interesaba tener a Rose en su banda.
Según supe, Rose le dijo, "bueno, si no me contrata se va a arrepentir, porque cuando mis hermanos regresen lo vamos a dejar sin trabajo".
Después supe que Bob Wills le contó a alguien y dijo, "¿sabes?, casi nos dejan sin trabajo".
(narrador) Lula Maddox, la matriarca de la familia y la fuerza detrás de la banda, vistió a sus hijos en llamativas prendas del oeste hechas por Nathan Turk, un sastre polaco de Hollywood, que había diseñado prendas para películas de vaqueros.
Nunca nadie había visto, o escuchado, algo como eso: shows que incluían payasadas, gritos y voceos, canciones que mezclaban honky tonk, boogie woogie y blues: un sonido hillbilly electrizado a toda máquina.
(Marty) La banda de hillbilly más colorida del mundo.
Comprendían el arte de la teatralidad.
Usar disfraces iguales, con ropa elegante de vaqueros como las que usaban las estrellas vaqueras hechas por el señor Nathan Turk, y conducir Cadillacs iguales por estos pueblos.
Hacían gira por todas partes.
Ellos no lo sabían, pero eran tanto estrellas de rock como de hillbilly, así como estrellas de country.
(hombre) Era como un acto de circo.
Eran coloridos.
Eran chistosos.
Eran talentosos.
A veces vas a un lugar y te preguntas si estás en el lugar adecuado.
Pero cuando ibas a ver a los Maddox Brothers and Rose, sabías que estabas en el show indicado.
Era imposible ir a uno de sus shows y no estar alegre.
¿Saben?
Ellos no lo toleraban.
(Marty) Eran el preludio del rock and roll.
[toca mandolina] [cantando en inglés] ♪ Los Maddox Brothers and Rose.
(narrador) A finales de la década de 1940, los Maddox Brothers and Rose eran la banda de country más popular de California.
Quince años antes, habían vivido en una alcantarilla de cemento en Oakland.
Ahora se habían mudado a una fastuosa mansión en Hollywood.
(Merle) 1949.
Debía tener 12 años, creo, y... tenía un hermano mayor que tenía 14 años más que yo.
Y él y su esposa me llevaron a ver a los Maddox Brothers and Rose, pero también a ver a su guitarrista, que era Roy Nichols.
Así que estaba viendo a uno de mis ídolos por primera vez.
Recuerdo que mi hermano hizo el comentario, "no tiene que recoger algodón ni ir a la escuela".
Le dije, "quiero su empleo".
♪ [Little Jimmy Dickens interpreta "Take An Old Cold Tater (And Wait)"] ♪ (narrador) En 1948, el Grand Ole Opry le dio la bienvenida a un nuevo cantante al escenario del auditorio Ryman.
♪ De la región carbonífera del sudeste de Virginia Occidental y el mayor de 13 hermanos, James Cecil Dickens tenía 28 años y había pasado de una radio local a otra, aprendiendo a entretener al público y a hacer feliz al patrocinador de un programa al persuadir a sus oyentes de comprar lo que promocionaban.
(Eddie) Podía ser pomada Cloverine, podían ser pollitos, pastillas para el hígado, mantos de oración, desperdicios radiactivos, cualquier cosa.
Eso... y por cada orden que se recibía, el artista obtenía un pequeño porcentaje.
Eran conocidos como los tratos PC o "por consulta".
(narrador) Nadie era mejor en eso que Dickens.
Medía 1.47 pero transformó su baja estatura en parte de su acto, y promocionaba de todo desde árboles frutales, utensilios de cocina hasta medicinas patentadas.
A comienzos de su carrera, se paraba en una silla para compartir micrófono con T. Texas Tyler, y adoptó con agrado el apodo que Tyler le dio: "Pequeño Jimmy Dickens. "
(Jimmy) Él medía 1.88 metros, y aquí estaba yo con mis 1.47.
Y hacíamos un buen equipo pequeño.
"Aquí tenemos a este pequeño hombre que cualquier madre en Estados Unidos quisiera tener como hijo".
(narrador) Para distinguirse aún más en el escenario, Dickens fue a Hollywood en busca de prendas más llamativas.
Las encontró con el principal rival de Nathan Turk, quien vestía a los Maddox Brothers and Rose.
Nutya Kotlyrenko había nacido en Kiev, Ucrania, pero cuando llegó a Estados Unidos cambió su apellido a Cohn.
A sus amigos de infancia en Brooklyn les costaba pronunciar su nombre, así que le decían Nudie.
Ahora tenía una sastrería en Hollywood.
El Pequeño Jimmy Dickens fue la primera estrella del Grand Ole Opry que se vistió en lo que se llegó a conocer como los "trajes Nudie".
(Jimmy) Lo más importante en la música country es venderte al público más que solo cantarles.
Porque si tuviera que depender de mi voz nada más, estaría en aprietos.
(Eddie) Él no salía al escenario para pasar y ya.
Él iba a tomarse el escenario.
Y siempre lo lograba.
Y solía decir, "¿sabes?, puede que no sepan quién soy... Pero cuando acabe con ellos, lo sabrán".
Era temerario.
[Little Jimmy Dickens interpreta "Country Boy"] (narrador) Uno de los éxitos del Pequeño Jimmy, "Country Boy", provino de una fuente inusual.
Boudleaux y Felice Bryant estaban lejos de ser pueblerinos.
Ella era una siciliana estadounidense de Milwaukee, a quien le encantaba escribir poesía romántica.
Él era hijo de un abogado de un pueblo pequeño de Georgia y había estudiado para ser violinista clásico.
(hombre) A mis 18 años, mi padre tocaba en la sinfónica de Atlanta.
Tocaba Paganini, de todo, pero eso no pagaba por los hábitos que un joven de 18 años quisiera tener a esa edad.
Entonces, mi padre empezó a tocar con algunas bandas de cuerdas.
Podía ganarse $20 por noche, y haciendo otra cosa uno no ganaba eso a la semana.
[Little Jimmy Dickens interpreta "Country Boy"] (narrador) Boudleaux estaba en un cuarteto que trabajaba en el salón de cocteles del hotel Schroeder de Milwaukee cuando conoció a Felice.
(Del) Mi madre operaba el elevador.
Lo llevó al primer piso, le compró una bebida y de inmediato le contó que toda la vida había soñado con él... y que deberían casarse.
Se engancharon muy rápido, o al menos comenzaron a hacer muy rápido lo que hacían las parejas.
(narrador) Pero tendrían que luchar para salir adelante.
Se mudaban de un pueblo a otro con sus dos pequeños, en un tráiler atrás enganchado al auto.
Entretanto, Boudleaux comenzó ponerles música a algunos de los poemas de Felice.
Cuando el gerente de Acuff-Rose Publishing escuchó su canción, "Country Boy", se la pasó a Jimmy Dickens e instó a los Bryant a mudarse a Nashville.
♪ El Pequeño Jimmy Dickens grabó varias de sus composiciones, incluso una canción de amor que Felice le había escrito a Boudleaux como regalo de cumpleaños, "We Could".
(Del) Mi madre siempre decía del Pequeño Jimmy Dickens, y muchas personas decían lo mismo, que él podía cantar una balada mejor que cualquiera.
[Little Jimmy Dickens interpreta "We Could"] ♪ En cierto modo, no era el cantante favorito de todo el mundo, pero sabía venderse.
"Take Me As I Am, Or Let Me Go", fue el primer artista en grabar algo así.
Era una canción de mis padres y muchos la habían grabado, desde él hasta Bob Dylan.
Y claro, "We Could", una canción que escribió mi madre.
Ella solía llorar cuando escuchaba a Jimmy cantarla porque él hacía que uno se emocionara.
(narrador) Impresionado por la cantidad de éxitos que escribían, un editor de Nueva York viajó para intentar persuadir a los Bryant de mudarse a la Gran Manzana, la capital de la composición musical.
Lo rechazaron.
Felice y Boudleaux estaban cerca de probar que no solo los intérpretes, sino también los compositores, podían triunfar en Nashville.
[Hank Williams interpretando "Jambalaya (on the Bayou)"] ♪ (hombre) Cuando Hank Williams llegó a la ciudad fue algo grande.
Sin duda era un gran fanático.
Recuerdo que llegué a las cinco y el show era a las ocho.
Y salió al escenario cerca de las 10; todos habíamos estado esperando.
Por desgracia, Hank había bebido de más, o algo así.
Cantó el coro de "Jambalaya" tres veces y se fue.
Eso fue lo que vi de Hank Williams.
No me molestó para nada haber visto eso nada más.
Había visto a Hank Williams.
[Hank Williams interpretando "(Last Night) I Heard You Crying In Your Sleep"] ♪ (hombre) Si Hank bebía una cerveza pequeña, estaba bien.
Cuando comenzaba a beber cosas fuertes, lo mejor era no estar cerca de él.
(narrador) El matrimonio de Hank Williams con Audrey había sido turbulento desde el comienzo.
En casa en Montgomery, había tensiones constantes porque ella insistía en hacer parte de su espectáculo, además de problemas de dinero y las fuertes peleas durante sus recurrentes etapas de beber mucho alcohol.
Su amigo Jimmy Key lo vio de primera mano.
(Jimmy) Yo tenía un apartamento.
Cuando Hank y Audrey peleaban, Hank se mudaba conmigo.
Llegué del trabajo a almorzar, y lo encontré sentado en el corredor.
Completamente perdido.
Y estaba cantando "Lovesick Blues" a punta de lamentos.
Y me colmó la paciencia.
No sé, me molestó porque era mediodía y ahí estaba él, bebiendo como loco.
Entonces me dijo, "¿qué opinas de esta canción?
", y le dije, "no vale un comino.
No va a vender ni 10 discos".
(narrador) El editor de Williams, Fred Rose, seguía teniendo fe en su descarriado protegido.
Rose era un alcohólico en recuperación, había desarrollado un interés paternal por Hank y le suplicó que dejara la bebida.
Pero Williams no pudo parar, y su reputación de borracho poco confiable aumentó.
Su sueño de regresar y tocar en el Grand Ole Opry parecía cada vez más inalcanzable.
Luego, Audrey solicitó el divorcio.
(mujer) Creo que constantemente lidiaba con ganar la batalla de, no quiero decir del bien y el mal, pero más bien de luz y oscuridad.
Él creía en la naturaleza redentora de Cristo.
Y eso, ¿saben?, "tengo dificultades, como todos, y soy un pecador.
Y hago mal esto y me equivoco, pero, ¿saben?, tengo fe en mi salvación".
Y escribió muchas canciones sobre eso.
(narrador) Una vez, Williams estaba en la parte trasera del auto de la gira de su banda, durmiendo por una borrachera más, cuando su madre, quien iba manejando, vio el aerofaro del aeropuerto de Montgomery a la distancia e intentó despertarlo de su letargo.
"Hank, despierta", gritó.
"Ya casi llegamos a casa, acabo de ver la luz".
Cuando llegó a casa, ya la había convertido en una canción, basada en una melodía góspel llamada "He Set Me Free".
♪ (Holly) "I Saw the Light".
Todos la conocen y todos la aman.
Golpea tu cadera.
Ya sea que quieras a Jesús o no, seas religioso o no, es una canción que se queda en tu cabeza como pegamento.
Y no puedes dejar de cantarla.
Es alegre, tiene un ritmo rápido.
Al mismo tiempo, es una canción de redención y de este hombre destrozado que ha visto la luz.
[Hank Williams interpretando "I Saw The Light"] ♪ (hombre) Uno sale a perder el tiempo el viernes y el sábado en la noche.
Estropeas el auto.
¿Saben?, buscas mujeres.
Vuelves borracho.
Pero después, el domingo en la mañana, debes enfrentar lo que sucedió porque la madre o la tía favorita de alguien te va a tomar de la oreja, te va a sacar a rastras de la cama y te va a llevar a la iglesia.
Los que han salido un sábado en la noche y han vivido esa mañana del domingo pueden decir, "nos habla de nuestras vidas".
Y si lo entiendes, cuando un artista lo entiende, es bueno para todos.
♪ (narrador) Cuando el divorcio se firmó, en mayo de 1948, Hank y Audrey ya se habían reconciliado.
Hank estaba sobrio y Fred Rose pronto le consiguió un espacio en un nuevo programa de radio, el Louisiana Hayride, que se emitía desde el auditorio municipal de Shreveport.
Esperaba superar al Grand Ole Opry y buscaba nuevos talentos.
Hank Williams pronto se convirtió en la estrella principal del show.
Y su canción más popular en el escenario era aquella que había tocado para Jimmy Key afuera de su apartamento, el antiguo éxito de Emmett Miller, "Lovesick Blues".
A pesar de la vehemente oposición de Fred Rose, que la llamó "la peor cosa que he oído en mi vida", Williams insistió en grabarla.
Hank le dijo a Rose: "Puede que la canción no te guste.
Pero cuando, salgo del escenario y lanzo mi sombrero al escenario y el sombrero repite, eso es genial".
[hombre cantando "Lovesick Blues"] Esa canción... [cantando en inglés] Tiene una congoja sentimental pero, aun así, tiene un aspecto tosco, medio estridente, como que haces un brindis mostrándole el dedo al mundo, porque sientes su lado malo.
[cantando en inglés] Tiene algo, es calmada, pero raya en lo creativo.
Como sea... es buenísima.
[Hank Williams interpretando "Lovesick Blues"] ♪ (narrador) Pocos meses después su lanzamiento a comienzos de 1949, se convirtió en la canción hillbilly número uno del país, y permanecería en los listados durante casi un año.
La carrera errática de Hank Williams se había transformado por completo.
Y Audrey había dado a luz a un hijo de ambos, Hank Williams Junior.
♪ Con este nuevo éxito, Williams se concentró en el Grand Ole Opry.
En 11 de junio de 1949, debutó con la canción "Lovesick Blues", y el aplauso fue tan estruendoso que no tardaron en pedirle que se uniera.
La familia Williams se mudó a Nashville, a una casa nueva de tres acres.
Hank dijo que la llenaron con muebles tan costosos, que le daba miedo sentarse.
En noviembre, aunque seguía siendo nuevo en el Opry, le pidieron a otros artistas principales que se unieran a una gira de dos semanas por bases militares en Europa.
Entre el grupo estaban Roy Acuff, Minnie Pearl y el Pequeño Jimmy Dickens.
♪ En Berlín, a Hank le dieron un documento en ruso, en caso de que terminara en la zona controlada por los soviéticos.
Cuando la vio, dijo: "No van a ganar la próxima guerra, ni siquiera saben escribir bien".
De regreso a casa, a finales de 1949, Hank Williams era el segundo artista country con más ventas del año, con ocho canciones en los listados.
Solo lo superaba Eddy Arnold, con 13.
♪ [fragmento de "Hillbilly Boogie"] (hombre) Creo que las personas que compraban "discos de raza" y "discos hillbilly " se sentían ofendidas por esos términos.
Y finalmente las compañías discográficas entendieron.
(narrador) Desde las primeras grabaciones de Fiddlin' John Carson en 1923, las discográficas habían tenido problemas para darle nombre a la música que surgía de tantas raíces distintas.
La mayoría de las personas la llamaban música hillbilly, y la revista Billboard adoptó ese término por un tiempo.
En la década de 1940, el surgimiento de más estilos: western swing, honky tonk y bluegrass, dificultó más categorizarlas, y los primeros listados de popularidad los agruparon bajo el título global de "dicos folk".
A pocos artistas les importaba.
Hank Williams se refería a sus canciones como "música folk", aunque también le parecía bien referirse a sí mismo como hillbilly.
Pero Ernest Tubb y el cantante Red Foley presionaron para que fuera de otro modo.
El 25 de junio de 1949, cuando Billboard sacó el término "música de raza" y lo reemplazó con "rhythm and blues", agregó una nueva categoría: "Country y Western".
Lentamente, el término "música folk" comenzó a describir canciones de grupos quizás ubicados en la ciudad de Nueva York.
Si bien, incluían antiguos estándares, también había canciones de protesta social que molestaban a algunos oyentes más conservadores, en especial desde que Estados Unidos estaba en una Guerra Fría contra el comunismo internacional.
Atrapado entre la reacción comunista se encontraba Woody Guthrie.
"No es que necesariamente sea comunista", dijo Guthrie, "pero toda mi vida he estado en números rojos".
(Marty) Alguien tenía que reclamarle a Woody, y la comunidad de música folk lo hizo.
Fue una pérdida para la música country porque, a mi parecer, cuando escucho a Woody Guthrie, él es uno de los artistas country más puros que Dios ha creado.
i¡Vamos!
Es decir, al escuchar esas primeras grabaciones, cualquier cosa que Woody haya creado, él es country.
Lamento que la política se haya metido en la cabeza de algunas personas y en su carrera.
Que sea sobre la música.
Pónganlo con la música.
Brillante por la música y lo que él escribía.
Completamente poderoso.
"Deportee", "This Land is Your Land"... Empiecen ahí y sigan hasta el final de la línea.
Eso es música country.
[Woody Guthrie interpreta "Going Down The Road Feeling Bad"] ♪ [radio sintonizándose] [locutor de radio] El Grand Ole Opry es donde se habla de la música folk... (narrador) Un día de 1950, cuando un locutor de la WSM presentaba un popular programa de la mañana, improvisó un poco.
Dijo que el show se emitía desde la "Ciudad Música de Estados Unidos, Nashville, Tennessee".
Fue más un comentario sin pensar más que una afirmación, pero para más y más artistas, Nashville se había convertido en la tierra prometida a la que todos querían llegar.
Entre esos ahora había cuatro miembros de la "primera familia de la música country".
[The Carter Sisters & Mother Maybelle interpretan "Sweet Talking Man"] ♪ (John McEuen) Una noche en Knoxville le preguntaba a Maybelle, ella estaba haciendo una prueba de sonido, tenía un arpa cítara y trataba de hacer que sonara más fuerte.
Comenzó a sonar y le dije, "Maybelle, ¿qué haces cuando tienes problemas con ese micrófono?
"Ah, simplemente hago lo que hacen las niñas cuando tienen problemas con el micrófono, muestro una gran sonrisa".
Buen consejo.
♪ [aplausos] (narrador) En 1927, Maybelle Carter había sido parte de The Carter Family cuando hicieron sus revolucionarias grabaciones en Bristol, Tennessee.
Ahora se estaba presentando con sus tres hijas.
(hombre) Helen Carter era la instrumentalista del grupo.
Tocaba la guitarra acústica, el acordeón, y también cantaba.
Era una guitarrista maravillosa... tan hábil como su madre, con un estilo propio.
Anita era la menor de las hermanas Carter.
Anita tenía la voz soprano más hermosa, de tono perfecto y clara de todas.
Mi madre, June Carter, la del medio, no era una vocalista como su hermana Anita.
Mi madre tenía cierta energía e intensidad, cierta vitalidad que emanaba de todo lo que hacía.
(mujer) Mi madre nació para ser artista.
Tenía un gran sentido del humor.
Y mi madre creía que no era tan buena cantante como en realidad era porque sus hermanas la molestaban todo el tiempo y le decían que no podía cantar como ellas.
Así que mamá lo convirtió en un acto.
a donde iba, decía... y las personas se morían de risa.
Así que simplemente siguió con eso, intentando buscar su sonido.
Ella sabía justo donde estaba.
(locutor en radio) Amigos, ha llegado el momento... (mujer) i¡Qué estás tratando de hacer!
¿Insultarme o algo así?
(hombre) No, solo quiero decirle a la gente quién eres.
(mujer) Eso no tiene sentido, nos hace perder mucho tiempo.
Tan solo soy June, la hijita del medio de mamá Maybelle y aquí les traigo una viejita conocida, y si me piden más así de divertida, "estaré de regreso el domingo".
[The Carter Sisters & Mother Maybelle interpretan "I'll Be Back For Sunday"] ♪ (narrador) En 1948, los Carter consiguieron un lugar en el Midday Merry-Go-Round en la WNOX de Knoxville, y le pidieron a un talentoso guitarrista joven que se uniera a su banda.
Su forma de tocar era muy distinta al "rasgueo Carter" característico de Maybelle, y se acercaba más al jazz que a la música country old time.
♪ Chester Atkins era de los remotos hoyos del este de Tennessee, en donde hizo su propio radio a galena para escuchar música de las estaciones locales.
De niño era muy tímido y enfermizo, y aprendió a tocar el violín y luego la guitarra, atraído por el estilo de los guitarristas de jazz Django Reinhardt y el influyente punteo de Merle Travis, de Kentucky, quien se estableció como el mejor músico de sesión de la Costa Oeste.
♪ (mujer) Vamos a escuchar a Chester Atkins que va a tocar algo especial en la guitarra.
[Chester Atkins interpreta "Canned Heat"] ♪ (hombre) Era un purista de la melodía, algo que siempre admiré de Chet.
Uno siempre podía escuchar la melodía, y no era esa clase de guitarrista que tocaba toda clase de cosas llamativas.
Él, todo lo que tocaba, por difícil que fuera, siempre se enfocaba en la melodía.
Hay una buena historia sobre Chet un día que estaba con un músico, estaban trabajando en algo, y el músico dijo, "la verdad no sé qué tocar aquí, Chet".
Y Chet tan solo le dijo, "por lo general, la melodía funciona".
(narrador) A pesar de su virtuosidad, Atkins tenía dificultades para ganarse la vida, y pasaba de una estación de radio a otra, de donde lo despedían porque su música no era lo suficientemente hillbilly para el público.
Se sentía derrotado cuando The Carter Sisters and Mother Maybelle le ofrecieron ganancias por igual si se unía a su acto.
La combinación de su estilo blues a la guitarra, las sólidas bases de los Carter en las baladas tradicionales de los Apalaches, así como la efervescente personalidad de June se convirtió en un éxito inmediato.
En 1949, se mudaron para trabajar en una estación en Springfield, Misuri, en donde se convirtieron en la atracción principal en un show agremiado, patrocinado por Red Star Flour.
Cuando las ventas de la compañía aumentaron, su principal competidor, la compañía Martha White Flour, que patrocinaba un segmento del Grand Ole Opry, presionó a la WSM para finalmente llevar a los Carter a Nashville.
Era una oferta con la que soñaban todos los artistas de country.
Pero había un problema.
Les dijeron que no podían llevar con ellos a Chet Atkins.
(John Carter) Dijeron, "por favor, vengan, pero no traigan a ese guitarrista".
Y según mi madre, la razón tras esto era que... que en el Grand Ole Opry les preocupaba que Chet llegara a Nashville y que básicamente se convirtiera en el mejor.
(Carlene Carter) La gente del Opry no quería a Chet básicamente porque tenía talento, y... les iba a quitar trabajo.
(John) Mi abuela y mi abuelo les dijeron que gracias, pero que se iban a quedar en Springfield.
Que si no podían llevar a Chester, no les interesaba ir.
(narrador) El Opry hizo la oferta más atractiva.
Aun así, los Carter se negaron.
(Carlene) La abuela básicamente lo acogió bajo su protección.
Y las chicas adoraban a Chet.
La abuela lo defendió.
"No, Chester viene con nosotros".
(narrador) Finalmente, la WSM cedió.
The Carter Sisters and Mother Maybelle, con Chet Atkins, debutaron en el Opry en septiembre de 1950.
June recordó que "el techo de ese lugar salió volando".
Nashville se convertiría en el hogar de las Carter, y de Chet Atkins también.
Él se convertiría en uno de los guitarristas más solicitados de la Ciudad de la Música, tal y como lo habían temido los otros músicos.
[Hank Williams interpretando "I'm So Lonesome I Could Cry"] (Marty) Componer canciones es el oficio más misterioso de todos.
No se pude explicar... es una especie de arte.
Pero al mismo tiempo, es un regalo divino, es eso lo que es inexplicable.
♪ Supongo que él lo dijo mejor cuando le preguntaron: "Hank, ¿cómo escribe esas tristes canciones viejas?
".
Dijo, "hombre, yo no las escribo.
Tan solo tomo un lapicero y Dios las escribe a través de mí".
Como yo lo veo, si colaboras con Dios, el Creador, quien hizo las montañas y las estrellas, la luna y el cielo, sabes que una canción de country de tres minutos no es gran cosa, pero ese tipo de canciones, como "I'm So Lonesome I Could Cry", "Your Cheatin' Heart"... es algo inexplicable.
(mujer cantando "Long Gone Lonesome Blues") ¿Qué tipo de verso es ese?
¿Alguna vez han pensado en que un ave esté tan triste que no pueda volar?
Al parecer Hank lo hizo.
(Holly) Hank decía, "Oye a ese solitario chotacabras suena triste para volar El tren de medianoche avanza silencioso y estoy tan solo que podría llorar."
Habla de una soledad impactante, hermosa y desgarradora, pero es, es un inglés simple que se une en estos hermosos laberintos de palabras que, que te llegan al corazón.
[Hank Williams interpretando "Long Gone Lonesome Blues"] ♪ (narrador) Al igual que Jimmie Rodgers, Hank Williams no podía leer ni escribir notas musicales.
Pero ahora, producía un éxito tras otro.
Según él, su secreto, "se puede explicar con una sola palabra: sinceridad".
La mayoría de sus canciones eran honky tonk.
Y atraía multitudes que lo adoraban a donde iba.
Los tenía en la palma de la mano, recordó uno de los Drifting Cowboys.
"Una vez Hank salió... y se aferró a ese micrófono.
Una mujer desnuda podría haber pasado en un elefante africano y nadie la habría visto".
(Rodney) El sueño de mi papá en la vida era haber sido Hank Williams.
Me llevó a ver la penúltima presentación de Hank Williams en Houston.
Era el 14 de diciembre de 1952.
Fuimos y me llevaba sobre sus hombros, y creo que es el segundo recuerdo que tengo en la vida.
Pero ese recuerdo se hizo... se hizo más vívido y real porque mi padre siempre me decía, "no lo olvides, te llevé a ver a Hank Williams.
Te llevé a ver al Shakespeare Hillbilly".
[Hank Williams interpreta "Long Gone Lonesome Blues"] (narrador) Al final de cada gira, Hank regresaba con una maleta repleta de dinero y la desocupaba frente al cajero de su banco en Nashville.
Luego, junto con Audrey lo gastaban tan rápido como podían.
Ella le compró Cadillacs para "él y ella".
Él dejaba extravagantes propinas en los restaurantes y le enviaba dinero a personas que le escribían acerca de su mala suerte.
Juntos, abrieron una tienda de ropa en el centro de Nashville, cerca de la tienda de discos de Ernest Tubb.
Williams siempre estaba componiendo, mientras viajaba, escribía letras nuevas en pedazos de papel que metía en la billetera, en hojas de hotel, incluso en el cartón que venía entre sus camisas planchadas.
En el camerino del Opry, del que era la estrella principal, en ocasiones probaba una nueva canción para otros artistas y les preguntaba si la querían.
Si de verdad les gustaba, solía grabarla para él.
Jimmy Dickens escuchó sus canciones cuando salió de gira con Williams y Minnie Pearl.
(Jimmy) Dijo, "necesitas un éxito".
Yo le dije, "¿quién no?".
Entonces dijo, "escribamos uno ya mismo.
¿Tienes papel?".
Minnie Pearl abrió la guantera y le dio una libreta, un lapicero.
Hank dijo, "ahora escribe esta canción".
Me leía cada línea que escribía... cada línea.
Quince minutos después, había escrito "Hey Good Lookin".
Y dijo, "ahora graba esta canción, y va a ser un éxito".
Le dije que tan pronto llegara al estudio la grabaría.
Casi una semana después, Hank dijo, "hoy grabé tu canción".
Le dije, "cuando sea un éxito sabrás que es mía".
Lo dijo sonriendo.
(locutor de radio) i¡Hank Williams!
[aplausos] June, querida, tengo una canción que escribí especialmente para ti.
Para ti.
¿Cuál es?
Se llama "Hey Good Lookin'".
[Hank Williams interpretando "Hey Good Lookin'"] ♪ (narrador) "Hey Good Lookin'" se convertiría en otro número uno para Hank Williams.
♪ [aplausos] En 1951, cuando Montgomery, Alabama organizó una enorme bienvenida para recibir a su hijo favorito, asistieron 9,000 personas.
En el programa estaban The Carter Sisters and Mother Maybelle con Chet Atkins.
Ese mismo año, los productores de Mother's Best Flour vieron que Williams encajaba con sus productos, y él grabó 70 programas de radio de 15 minutos para que la compañía distribuyera.
Además de sus éxitos, y siempre un himno o una canción góspel, en sus programas había declamaciones de un alter ego que había creado, Luke el Vagabundo, que ofrecía consejos sobre moralidad que Hank Williams nunca siguió.
Y a veces, a pesar de las objeciones de la banda, en los shows participaba Audrey cantando, quien, pese a su limitado talento, parecía anhelar el protagonismo que cada vez más se enfocaba solo en Hank.
[Hank Williams interpreta "I Saw the Light"] Si bien Hank y Audrey mostraban al público una imagen de una pareja feliz, su relación era más explosiva que nunca y estaba llena de peleas y muebles rotos.
Ella sospechaba que él la engañaba, y cuando estaba de gira, él sospechaba lo mismo de ella.
(Jimmy Key) Ellos se amaban.
Creo que de verdad se amaban.
Pero por alguna razón, tan solo... creo que cada día luchaban una batalla.
(narrador) Después de permanecer sobrio unos meses, Hank retomó sus hábitos de beber en exceso.
Una vez, que Audrey lo dejó afuera de la casa, Williams se registró en el hotel Tulane y se quedó dormido en su habitación con un cigarrillo encendido, lo que provocó un incendio e hizo que lo arrestaran.
A veces, acudía a la mamá Maybelle.
Mi madre me decía que a veces él venía a la casa, ¿sabes?, tarde en la noche y simplemente se sentaba en la sala o en la cocina, y tomaba café y hablaba con Maybelle.
(Carlene) Ellos se preocupaban mucho por él.
Intentaban quitarle el licor, vaciar las botellas.
Nunca lo juzgaron, y la puerta de su casa siempre estaba abierta.
Había un poco de pan de maíz y de estofado, judías y una pierna de jamón, siempre.
Ella te daba de comer y te levantaba, hablaba contigo y te daba consejos.
Lo hacía con amor hasta que te sentías mejor.
(narrador) Williams siguió narrando sus penas en sus canciones.
Cuando Audrey se rehusó a darle un beso un día, le dijo a la niñera de sus hijos que su esposa tenía "un corazón muy, muy frío".
Luego se sentó y escribió una canción en una hora.
[Hank Williams interpretando "Cold, Cold Heart"] ♪ (Vince) Creo que hay cierta belleza en la narración de historias y las letras.
Si escuchas, "Why can't I free your doubtful mind and melt your cold, cold heart", si eso no te mueve algo por dentro, entonces mejor lo dejamos así.
Simplemente dejaremos que te vayas.
Pero, para mí, es una de las canciones más poéticas que existen.
Y es algo real.
♪ (narrador) A medida que "Cold, Cold Heart" escalaba en los listados country, muchos artistas populares, como Tony Bennett, Perry Como, Dinah Washington y Louis Armstrong, grabaron sus propias versiones.
(Marty) Alguna vez se dijo que sus canciones podían ir a lugares que él no podía porque era tan puro como un chico del campo y como músico country.
Y que su cerca de hillbilly pudo haberlo detenido.
Pero sus canciones pasaban por encima de esa cerca.
(narrador) Los problemas lo perseguían.
En Canadá se cayó del escenario, y su problema crónico de espalda empeoró.
Hubo que llevarlo al hospital a que le pusieran un corsé de metal y cuero que hacía de la vida de giras algo insoportable.
En la Navidad de 1951, peleó con Audrey por una semana.
En la víspera de Año Nuevo, ella ya se había ido de la casa con los niños.
Diez días después solicitó el divorcio.
.. otra vez.
[aplausos] [Hank Williams interpretando "I'm So Lonesome I Could Cry"] (Marty) Escuché una hermosa historia acerca de Charlie Parker, que una vez estaba de pie frente a una rocola en Nueva york escuchando canciones country.
Sus amigos le decían, "¿qué estás haciendo?".
Él contestó, "las historias, hermano.
Son las historias".
[Lefty Frizzell interpretando "If You've Got the Money, I've Got the Time"] ♪ (narrador) En 1952, 1,200 estaciones de radio, en todos los rincones del país, dedicaban al menos dos horas a la música country y western todos los días.
Puede ser que Hank Williams haya sido el artista honky tonk más conocido, pero no era el único.
Dos cantantes del Louisiana Hayride: Webb Pierce y Faron Young, esperaban poder graduarse y llegar al Grand Ole Opry.
♪ Pero de todas las estrellas en ascenso del honky tonk, ninguna desafiaba más la supremacía de Hank Williams que "Lefty" Frizzell de Corsicana, Texas, quien había dejado su empleo en las plataformas petroleras para cantar y escribir canciones.
Muchas personas se refieren a ese periodo como el periodo de Hank y Lefty, y las rocolas estaban repletas de Lefty Frizzell y Hank Williams.
Era como decidir quién era mejor con un cara o cruz.
Lanzó una canción llamada "I Love You A Thousand Ways".
Y la del lado B se llamaba "If You've Got the Money, I've Got the Time".
Ambas se convirtieron en la norma de la música country.
Los siguientes cinco sencillos fueron recibidos de la misma manera.
Todos llegaron a ser número uno.
♪ (narrador) A comienzos de 1952, una nueva canción, "The Wild Side of Life", se disparó a los primeros lugares de los listados country y western.
La cantaba otro artista de Texas, Hank Thompson.
[Hank Thompson interpretando "The Wild Side of Life"] Su melodía venía de la canción "I'm Thinking Tonight of My Blue Eyes" de The Carter Family.
♪ La narraba desde el punto de vista de un esposo que cree que el gusto de su esposa por el honky tonk local ha arruinado su matrimonio.
"The Wild Side of Life" seguía subiendo en las listas cuando apareció una nueva canción con la misma melodía, como respuesta directa, y la cantaba Kitty Wells.
[Kitty Wells interpretando "It Wasn't God Who Made Honky Tonk Angels"] ♪ (mujer) Me gusta que esa canción sea en respuesta a la canción de Hank Thompson porque él pudo decir lo que pensaba y fue increíble que, que Kitty pudiera defenderse y opinar.
♪ (narrador) "Es una lástima que la culpa siempre sea de nosotras, las mujeres", cantaba.
"Son muchas las veces que los hombres casados creen que son solteros, que han hecho que una mujer buena se equivoque".
La felizmente casada Kitty Wells no era un ángel honky tonk.
Después de varios intentos fallidos de grabar canciones góspel, finalmente aceptó hacer la nueva canción, simplemente para obtener el pago por la sesión, pero no tenía ninguna expectativa.
Pero su canción tocó una fibra sensible en las mujeres de todas partes.
En poco tiempo eclipsó a "The Wild Side of Life" y se convirtió en la primera canción de una mujer en llegar al primer lugar del listado de country y western de Billboard.
(mujer) Las mujeres cantaban canciones desde el punto de vista de los hombres.
Cantaban lo que los hombres querían que cantaran, ¿saben?
"estaré aquí, puedes ir a hacer lo que quieras, pero siempre estaré aquí".
Bien, pues eso estaba cambiando.
♪ [Hank Williams interpretando "You Win Again"] (narrador) Cuando el segundo divorcio de Hank y Audrey se concretó en 1952, nuevamente él convirtió sus problemas en una canción.
(Jimmy Key) "You Win Again".
Esa era una canción sobre Audrey.
Es triste, pero en realidad dice mucho de lo que era su vida en ese momento.
Creo que cuando se separó de Audrey, ese fue el principio del fin.
♪ (narrador) Williams se mudó por un tiempo con Ray Price, una estrella country en ascenso, quien recordó que Hank llamaba a Audrey todos los días, pero ella siempre le colgaba.
♪ [Hank Williams interpretando "Please Don't Let Me Love You"] Todavía seguía escribiendo y grabando un éxito tras otro.
♪ Su editor reportó que tan solo en la primera mitad de 1952, se grabaron 89 canciones que Hank había escrito.
♪ Pero su condición física se estaba deteriorando.
Nada podía calmar su dolor de espalda constante, y ahora ingería una mezcla constante de medicinas para combatirlo: anfetaminas para seguir adelante, sedantes para dormir, y en ocasiones morfina para aliviar el dolor.
(Jimmy Key) Su forma de beber ya era preocupante, pero pasó a otras cosas.
Fui a la puerta de su casa y él salió en ropa interior, y parecía muerto en vida.
Es decir, él solo... era muy triste verlo así.
(narrador) En una sesión de grabación en Nashville, Williams estaba tan débil que se derrumbaba en una silla para descansar entre tomas.
Cuando terminó la última canción sobre que "no saldré con vida", "I'll Never Get Out of This World Alive", Chet Atkins, que tocaba guitarra en esa sesión, recuerda que pensó "hombre, no estás vivo".
De gira, Williams siguió atrayendo grandes audiencias, aunque solía estar borracho o de mal humor, o simplemente no se presentaba.
En Richmond, Virginia, en donde su telonero era Ray Price, tuvo problemas para recordar la letra y mantener la nota.
Se fue después de tres canciones, y dejó a Price y a los Drifting Cowboys para que intentaran calmar a la enojada multitud.
Después de otra mediocre presentación, Roy Acuff, indignado, le dijo, "tienes una voz que vale un millón de dólares y un cerebro de 10 centavos".
En un concierto en El Paso estaba en tan mal estado que le pidieron a Minnie Pearl que se quedara con él entre una presentación y otra para asegurarse de que no faltara al segundo show.
Ella intentó alegrarlo cantándole: "I Saw the Light".
Y él hizo una pausa y le dijo, "Minnie, no hay ninguna luz".
♪ (Hank Williams Jr.) Eso es exactamente lo que dijo, "no hay ninguna luz para mí, Minnie".
No era un buen pensamiento.
(narrador) El 11 de agosto de 1952, después de oír reportes que señalaban que Williams actuó borracho en un show en Pensilvania, el manager del Grand Ole Opry lo llamó y lo despidió.
El 19 de octubre se casó con la joven Billie Jean Jones de 19 años.
La ceremonia se celebró en Nueva Orleans, de la forma más pública posible.
La gente podía comprar boletos desde un dólar a 2.80 para asistir a la ceremonia de ensayo de la boda en la tarde o a la ceremonia en la noche, e incluía una presentación musical.
Asistieron 1,400 fanáticos.
Luego, Williams retomó la gira durante el resto de 1952.
(Marty) Esos últimos días debieron haber sido un desafío físico porque la enfermedad del alcoholismo y la adicción a las drogas, además de todas las dolencias físicas, e ir de un lado para otro en carretera, en la parte trasera de un auto, para cantar música country, no era una vida glamurosa.
Debió haber sido una pesadilla para el cuerpo y para el alma.
(narrador) Su salud empeoró.
El dolor en el pecho le dificultaba la respiración.
La espalda le dolía tanto que a veces se acostaba en el piso del auto de la gira, llorando.
Decía, "cada vez que cierro los ojos, veo a Jesús que viene por el camino.
Viene por el viejo Hank".
(Jimmy Key) Todo el mundo se aprovechaba de él.
Todos querían dinero, querían esto o aquello.
Había probado el éxito, y le daba tanto miedo perderlo que creo que, simplemente siguió insistiendo, e insistiendo, e insistiendo.
(narrador) Por un anticipo de $300 semanales, Williams trajo a un matasanos con un título falso, que incluyó una nueva droga en el grupo de medicinas que Hank tomaba: clorhidrato, la cual era particularmente peligrosa si se mezclaba con alcohol.
El 30 de diciembre de 1952, Williams se preparó para viajar de Montgomery a hacer dos shows, en Virginia Occidental y Ohio.
Una extraña tormenta de nieve hizo que sus planes de volar se cancelaran, así que contrató a Charles Carr, de 17 años, para que lo llevara en su Cadillac.
Salieron tarde e hicieron muchas paradas para que Williams comprara cerveza y viera a un doctor que le pusiera una inyección de morfina, antes de detenerse a pasar la noche.
El 31 salieron temprano.
Hank estaba de buen ánimo.
Después del desayuno, compró una botella de bourbon y en ocasiones cantaba al ritmo de la radio.
Se detuvieron a almorzar en Chattanooga, y puso la versión de "Cold, Cold Heart" de Tony Bennett en la rocola y dejó una propina de $50.
Cuando llegaron a Knoxville supieron que el primer show, programado para esa noche en Charleston, Virginia Occidental, había sido cancelado, y que debían seguir derecho hasta Canton, Ohio.
Hank convenció a un doctor de que le pusiera otras dos inyecciones de morfina antes de salir a las 10:45 de la noche.
Williams estaba acostado en el asiento de atrás, cubierto con su abrigo y una cobija, mientras se dirigían a Canton.
Nunca llegó.
En algún punto en las carreteras montañosas entre Bristol, Tennessee, y Oak Hill, Virginia Occidental, en las primeras horas del primero de enero de 1953, Hank Williams, el "Shakespeare Hillbilly", falleció en el asiento trasero de su auto.
Tenía 29 años.
♪ [Hank Williams interpretando "Honky Tonkin'"] (Fred Foster) Había un radio detrás del mostrador y se escuchaba una canción de Hank Williams.
Pedí mi desayuno, y el DJ habló: "Bueno, amigos, aquí lo tienen, el difunto y grandioso Hank Williams".
Entonces le pregunté a la mesera, "¿qué?
¿Hank Williams está muerto?
", y ella dijo, "sí, ¿no lo sabía?
Él, él está muerto".
Y me puse a llorar.
No pude evitarlo porque, hombre, era una pérdida para la raza humana, eso pensé.
(narrador) El domingo 4 de enero, 20,000 dolientes se reunieron en el auditorio municipal de Montgomery para el funeral de Hank Williams, la multitud más grande en la historia de la ciudad desde el día de la posesión de Jefferson Davis como presidente de la Confederación en 1861.
Dentro, solo cabían 2,750, incluidos 200 afroamericanos que ocuparon el balcón segregado, y su ataúd abierto se ubicó en la base del escenario, rodeado de arreglos florales en forma de guitarra.
Ernest Tubb consolaba a Lillie Williams en el público, y luego cantó un himno con los Drifting Cowboys.
Red Foley interpretó "Peace in the Valley" y Roy Acuff se unió a él y a Carl Smith y Webb Pierce para cantar "I Saw the Light", mientras que el Pequeño Jimmy Dickens, June Carter y Bill Monroe estuvieron entre el público.
Los Southwind Singers cantaron un antiguo himno góspel.
Después, Williams fue sepultado en el cementerio Oakwood.
[Hank Williams interpretando "Your Cheatin' Heart",] ♪ "Your Cheatin' Heart", que fue lanzada después de su muerte, llegó a convertirse en una de sus canciones más conocidas, y para muchas personas definió la música country.
(hombre) Hank Williams me encantaba.
Ponía su alma y su corazón en cada palabra.
A nivel emocional, te movía.
Y nada ha cambiado.
Todavía me encanta escuchar sus canciones.
Me gustaría que hubiera llegado a ser tan viejo como yo, porque sé que todavía se guardaba grandes canciones.
♪ (Vince) Lo que me encantaba de Hank Williams eran esas canciones y la forma en que te hacía sentir lo mucho que debió sufrir.
♪ Siempre me sentía atraído por las melancólicas, más que por las divertidas: "Your Cheatin' Heart", "I'm So Lonesome I Could Cry".
No hay forma más simple de decirlo, ni forma más poética que como lo cantaba, "estoy tan solo que podría llorar".
[cantando un fragmento de "I'm So Lonesome I Could Cry] ♪ [Hank Williams interpretando "I'm So Lonesome I Could Cry"] ♪ (narrador) En el proximo episodio de la "Música Country..." (Bobby Braddock) Había un dicho "El blues tuvo un bebé y lo llamaron rock and roll".
Y yo siempre decía, sí, y creo que el papá era el hillbilly.
(narrador) Dos nuevos artistas se lanzan en Memphis... (Marty Stuart) Cuando se trata de música, Memphis siempre ha tenido más de "soul", es la esencia de aquí.
(narrador) Y dos mujeres legendarias llegan a Nashville.
(Trisha Yearwood) Cuando la escuchas cantar, sientes la emoción en cada verso.
(narrador) En el próximo episodio de la "Música Country."
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♪
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